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Nikolaï Rimski-Korsakov (1844-1908)

Nikolaj Andrejewitsch Rimskij Korsakow

Nikolaï Andreïevitch Rimski-Korsakov était un compositeur russe. Ses compositions orchestrales les plus célèbres – le Capriccio espagnol, l’Ouverture de la Fête de Pâques russe et la suite symphonique Shéhérazade – font partie des incontournables du répertoire de musique classique.

Rimski-Korsakov a adopté les techniques musicales occidentales lorsqu’il est devenu professeur de composition musicale au Conservatoire de Saint-Pétersbourg en 1871. Il s’est lancé dans un programme rigoureux d’autoformation de trois ans et est devenu un maître des méthodes occidentales.

Pendant une grande partie de sa vie, Rimski-Korsakov a mené de front son travail et une carrière dans les forces armées russes – d’abord en tant qu’officier dans la Marine impériale russe, puis en tant qu’inspecteur civil des fanfares navales. Il a développé une passion pour l’océan dès son enfance, en lisant des livres et en écoutant les récits des exploits de son frère aîné dans la marine. Cet amour de la mer l’a peut-être influencé dans la composition de deux de ses œuvres orchestrales les plus connues, le Chant de l’Inde et Shéhérazade. En tant qu’inspecteur des fanfares navales, Rimski-Korsakov a approfondi ses connaissances du jeu des instruments à vent et des cuivres, ce qui a enrichi ses compétences en matière d’orchestration.

Rimski-Korsakov a laissé une œuvre considérable de compositions russes originales. Il est considéré comme « le principal architecte » de ce que l’on appelle le « style russe ». Son influence sur les jeunes compositeurs fut particulièrement importante, en tant que compositeur professionnel, une figure devenue la norme en Russie à la fin du XIXe siècle.

Le Bourdon, extrait du « Conte du tsar Saltan », 1899–1900

Capriccio espagnol, op. 34, mouvements : Alborada, Variazioni, Alborada, Scena e canto gitano, Fandango asturiano, 1887

Ouverture de la Fête de Pâques russe, op. 36, 1888

Shéhérazade, op. 35, mouvements : La Mer et le navire de Sinbad, La Légende du prince Kalendar, Le Jeune Prince et la Jeune Princesse, La Fête à Bagdad. La Mer. Le navire se brise sur un rocher surmonté d’un cavalier de bronze, 1888

Chanson de l'Inde (extrait), 1898

Concerto pour trombone, mouvements : Allegro vivace, Andante cantabile, Allegro, 1877

La Fille des neiges, Chants et danses des oiseaux, 1880-81

Tous ont été créés à l'aide d'instruments virtuels au format MP3.
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Johannes Brahms (1833-1897)

JohannesBrahms

Johannes Brahms était un homme extrêmement talentueux, complexe et sensible. Issu d’une famille de la petite bourgeoisie hambourgeoise, il devint, contre la volonté de son père, musicien au Philharmonisches Staatsorchester, où il jouait de la contrebasse, du cor et de la flûte. C’est son père qui lui avait dispensé sa première formation musicale.

À partir de 1840, il étudia le piano avec Otto Cossel, qui se plaignait à propos de Johannes, alors âgé de neuf ans, en disant qu’il « pourrait être un si bon pianiste, mais qu’il ne cesse jamais de composer ».

À 17 ans, Brahms fit la connaissance du violoniste hongrois Ede Reményi et l’accompagna lors de nombreux récitals au cours des années suivantes. Ce fut pour lui une initiation à la musique « à la tzigane », telle que le Czárdás, une danse folklorique traditionnelle hongroise. Cela aboutit finalement à deux célèbres séries de Danses hongroises, datées de 1869 et 1880.

En 1853, Brahms continua à travailler avec Ede Reményi et finit par bénéficier du soutien et des conseils de Robert et Clara Schumann. Il finit par s’installer avec Clara à Düsseldorf, se consacrant entièrement à elle, alors même que Robert souffrait de troubles mentaux de plus en plus graves. Après la mort de Robert, ils restèrent des amis proches. Brahms ne se maria jamais et se consacra principalement à son travail de composition.

À l’âge mûr, il fut reconnu comme un éminent compositeur, pianiste virtuose et chef d’orchestre de la période romantique moyenne. Sa musique se caractérisait par un contrepoint expressif, des dissonances plus libres, une vitalité rythmique, tout en restant fidèle aux formes traditionnelles. Son œuvre comprend quatre symphonies, quatre concertos, un requiem, de nombreuses pièces de musique de chambre, ainsi que des centaines d’arrangements de chants populaires et de Lieder (chansons artistiques allemandes).

Bien qu’innovant, il fut considéré comme conservateur lors de la « guerre des romantiques », qui donna lieu à des contre-arguments de la part de l’entourage de Franz Liszt. Mais ses œuvres connurent un grand succès à long terme, ce qui lui valut un cercle d’admirateurs, d’amis et de musiciens. Il envisagea de se retirer de la composition à la fin de sa vie, mais continua à écrire de la musique de chambre pour des musiciens de renom.

Danses hongroises 1-10

Danses hongroises_11-21

Sonate pour piano n° 1

Symphonie n° 3

Berceuse

Tous ont été produits à l'aide d'instruments virtuels au format MP3.

Domaine public

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Antonín Dvořák (1841-1904)

Antonín Dvořák était un innovateur musical. Il utilisait une grande variété d’instruments et les combinait habilement avec les rythmes de la musique folklorique de Moravie et de Bohême. Il a suivi l’exemple de son prédécesseur Bedřich Smetana, ce qui l’a finalement conduit à un succès remarquable.

Dvořák a révélé ses dons musicaux dès son plus jeune âge en tant qu'élève talentueux au violon. Les premières représentations publiques de ses œuvres ont eu lieu à Prague en 1872 et 1873, alors qu'il était âgé de 31 ans. En 1882, Dvořák a soumis les partitions de ses œuvres à des concours en Allemagne. En 1877, après sa troisième victoire, Johannes Brahms recommanda Dvořák à son éditeur, Simrock, qui lui commanda ce qui allait devenir les Danses slaves. Le succès commercial et l’accueil favorable de la critique de ces partitions lui valurent une renommée internationale.

En mars 1890, une représentation à Londres donna lieu à de nombreuses autres représentations au Royaume-Uni, aux États-Unis et, finalement, en Russie. Aux États-Unis, Dvořák composa ses deux œuvres orchestrales les plus célèbres : la Symphonie « Du Nouveau Monde », qui fit rayonner sa réputation dans le monde entier, et son Concerto pour violoncelle, qui fut très apprécié. Lors de vacances d’été à Spillville, dans l’Iowa, en 1893, Dvořák composa une célèbre œuvre de musique de chambre, son Quatuor à cordes en fa majeur, op. 96, dit « l’Américain ». Bien qu’il soit resté au Conservatoire américain pendant quelques années encore, des réductions de salaire et un début de mal du pays l’ont conduit à retourner en Bohême en 1895.

Quatre danses slaves, op. 46 (1878)

Symphonie n° 9, op. 95 « Du Nouveau Monde » (1893)

Concerto pour violoncelle en si mineur, op. 104 (1894-95)

Quatuor à cordes n° 12 en fa majeur, op. 96 « Américain » (1893)

Sérénade pour cordes en mi majeur, op. 22 (1875)

Pièces romantiques, op. 75 (1887)

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Isaac Albéniz (1860-1909)

Isaac lbéniz

La musique d'Albéniz, en tant que chef d'orchestre, interprète et compositeur, a considérablement rehaussé le profil de la musique espagnole et encouragé sa musique dans son propre pays. Les œuvres d'Albéniz ont été initialement composées pour le piano, mais elles ont été transcrites pour la guitare classique que nous utilisons ici dans Chants d'Espagne, publiés en 1892 et 1898.

Contient : Asturias, Sevilla, Cadiz, Granada, Rumores, Torre-Bermeja

Francisco Tarrega (1852-1909)

Francisco Tarrega

Tárrega préférait les petits concerts intimistes aux grandes scènes. Il est considéré comme ayant posé les bases de la guitare classique du XXe siècle et comme ayant contribué à l'intérêt croissant pour la guitare en tant qu'instrument de récital. La ville de Grenade l'a inspiré pour écrire « Recuerdos de la Alhambra », qu'il a d'abord dédié à sa femme Concepción en 1899.

Contient : Recuerdos de la Alhambra, Étude en mi mineur, Lagrima, Gran-jota-de-concierto, Estudio-de-velocitá

Moreno Torroba (1891-1982)

Federico Moreno Torroba 2

Torroba était non seulement un compositeur prolifique pour guitare, mais aussi l'un des principaux défenseurs de la zarzuela, forme d'opéra espagnol léger caractérisée par un mélange de chant et de dialecte parlé. En tant que chef d'orchestre et imprésario, il a beaucoup voyagé, notamment aux États-Unis et en Amérique latine. Le vocabulaire musical de Moreno Torroba évitait les lignes du XXe siècle. Il préférait la musique mélodique avec une harmonie tonale.

Contient : Mazurca-de-las-sombrillas, Romance-de-los-pinos, Romancillo, Torija elegía

Tous ont été créés à l'aide d'instruments virtuels au format MP3.
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Antonio Vivaldi (1678-1741)

Vivaldi

1. Sonates en trio (1705)
Chacune des 12 sonates en trio de Vivaldi présente un mélange particulier d'atmosphères. La plupart sont joyeuses, tandis que d'autres sont pittoresques.

Pour mon propre plaisir, je n'écoute qu'une ou deux sonates à la fois.

Les sonates datent de la première partie de la vie de Vivaldi. Il avait 27 ans lorsqu'elles ont été publiées, et était une étoile montante à Venise. Elles pétillent de mélodies et de vie.

Mes adaptations NeoClassix sont un peu spéciales.

Vivaldi a écrit ces sonates pour deux violons et « continuo », généralement un clavecin ou un orgue. Mais pour des interprétations automatiques de haute qualité, nous devons utiliser des instruments qui sont agréables avec la technologie couramment disponible. Les favoris actuels sont les pianos, les clavecins, les harpes, les guitares et les flûtes. Les présentes adaptations sont construites avec une flûte, un piano et un clavecin.

J'ai créé deux adaptations, l'une pour une « écoute agréable “ et l'autre pour une ”recréation d'une tonalité que Vivaldi aurait pu entendre lui-même ».

Pour « l'écoute agréable » (première sélection), j'ai utilisé la même combinaison de polices de caractères sonores que pour les Souvenirs d'O'Carolan (ci-dessus), accordées à la fréquence du tempérament égal de 440 Hz.

Pour la version pour clavecin (deuxième sélection), j'ai utilisé un instrument produit en Sicile en 1697 par Grimaldi, accordé sur un réglage Werkmeister III1 à 415 Hz (disponible chez Pianoteq). Ce réglage donne à ces compositions une sonorité moelleuse et attrayante.

Cette série est dédiée à ma femme Elena, qui m'a aidé à maintes reprises à obtenir une interprétation satisfaisante de cette série.

Aller aux Sonates en trio

2. Série La stravaganza
Les concerts "La stravaganza" [littéralement « Extravagance » ou « Excentricité »] ont été écrits en 1712-1713. Ils ont été publiés pour la première fois en 1716 à Amsterdam et ont été dédiés au noble vénitien Vettor Delfino, qui avait été l'élève de Vivaldi au violon. Les concertos étaient à l'origine écrits pour violon solo, cordes et basse continue, mais pour nos instruments virtuels, nous avons apporté les modifications suivantes : la section dominante est interprétée par des flûtes, des guitares ou des trompettes. Les autres partitions des sections à 440 Hz sont interprétées par un piano moderne, et les versions à 415 Hz sont interprétées par un clavicorde.

Voir la série "La stravaganza"

3. Les premiers concerts des années 1720
Vivaldi a traversé plusieurs époques musicales. Certains de ses premiers succès datent des années 1720 et nous en avons sélectionné quelques-uns.

Voir Concerts des années 1720

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1. Sonates en trio - 440 Hz première, 415 Hz deuxième
1. Sonate en trio en sol mineur, RV 73